It will feature as event included in the Altaroma calendar “Jack in the pulpit”, “Jack in the pulpit” which will be held on 7^th July 2013 at 10:00 pm in Rome at the Museo dei Fiorentini, placed in the area of Castel S. Angelo, happening under the sign of creativity by the bright designer Giuliana Mancinelli Bonafaccia who will present the new jewelry collection she made, inspired by Georgia O’ Keeffe and Edward Weston. The event will include an exhibition of works made by the talented photographer Marco D’ Amico, the multimedia performance by Quiet Ensemble and also a refined cocktail party at the roof of building. A not to be missed happening to enjoy art, design and photography.

“JACK IN THE PULPIT”: ARTE, DESIGN & FOTOGRAFIA IN MOSTRA ALL’ INSEGNA DI GIULIANA MANCINELLI BONAFACCIA

Giuliana Mancinelli Bonafaccia

Sarà protagonista nelle vesti di evento incluso nel calendario ufficiale di Altaroma, “Jack in the pulpit” che si terrrà il 7 luglio 2013 alle ore 22:00 a Roma presso il Museo dei Fiorentini, ubicato nei dintorni Castel S. Angelo, happening all’ insegna della creatività della brillante designer Giuliana Mancinelli Bonafaccia che presenterà la nuova collezione di gioielli da lei realizzata che si ispira a Georgia O’ Keeffe ed Edward Weston. L’ evento includerà una mostra di opere realizzate dal talentuoso fotografo Marco D’ Amico, la performance multimediale dei Quiet Ensemble ed anche un raffinato cocktail party presso la terrazza dell’ edificio. Un evento imperdibile per apprezzare arte, design e fotografia.

www.giulianamancinelli.com

There is an event July 3^rd in Treviso that had been organized by Iuav University of Venice featuring the fashion culture and emerging creatives, the Newcomers 2013, their work will be displayed in the shop windows of many Treviso boutiques. Book launches, exhibitions and talks will also feature in the event as well as the book launch of “11 idee per l’ Italia”, translation ”11 ideas for Italy” (Marsilio editions) that will take place on 3^rd July, at 7:00 pm, in the Treviso Loggia dei Cavalieri. Cristiano Seganfreddo will moderate a panel of experts such as Maria Luisa Frisa, Giusi Ferrè, Lapo Cianchi and Federico Sarica. Following the panel discussion there will be another talk about the official launch of Modesign/Fashion at Iuav, taking place at 9 pm and moderated by Giusi Ferrè.

Thursday 4^th July at the Treviso Iuav University the exhibition “Close-up, sguardi sull’ attività del Corso in Design della Moda”, curated by Maria Bonifacic displaying the students work, “Fashion ephemera by Antonio Marras documenti per gli studi di moda”, display by Mario Lupano showcasing fashion documents, “Strike a pose”, a shooting event. It will follow “Refuso tessile. Archivio, riciclo e procedure progettuali” an exhibition, curated by Maria Cristina Cerulli and Martina Bernardi which will be opened at the Treviso Archivio di Stato at 5:00 pm and will run through 12^th July. Later Giusi Ferrè will moderate the first talk “La felicità del made in Italy, conversazioni sulla moda, l’ industria e il territorio”, featuring Brunello Cucinelli which will be held at the Treviso Loggia dei Cavalieri at 6:00 pm and the event will follow with “Ritorno al futuro e second skin”, exhibition of the works by Iuav students that have financed by brands Lotto and Stonefly. The day will be ended by the second talk at 9:00 pm, featuring the Coin Group CEO Stefano Beraldo.

Giusi Ferrè

The smashing event will close on 5^th July with a talk, “Per una fotografia italiana di moda” which will be held at Treviso TRA cultural association, the opening of exhibition “Linen yearn: il lino nel lavoro di due scuole di moda: London Central Saint Martins and Iuav University of Venice” at the Treviso Musei Civici which will runs through 13^th July, the graduation show and a smashing after party. A not to be missed happening evidencing a laudable work by a public institution, focused in creating solid results to increase, support and share the fashion culture and emerging creativity.

MODESIGN/FASHION AT IUAV 2013, TRE GIORNI ALL’ INSEGNA DELLA CULTURA DELLA MODA E DELLA CREATIVITÀ EMERGENTE

Maria Luisa Frisa

Il 3 luglio c’è un evento a Treviso che è stato organizzato dall’ Università di Venezia Iuav di cui sono protagonisti la cultura della moda e la creatività emergente, i the Newcomers 2013, il loro lavoro sarà esposto nelle vetrine di molte boutiques di Treviso. Presentazioni di libri, mostre e talks saranno anche protagonisti dell’ evento come anche la presentazione del libro “11 idee per l’ Italia”(Marsilio editore) che avrà luogo il 3 luglio, alle ore 19:00 pm, presso la Loggia dei Cavalieri di Treviso. Cristiano Seganfreddo modererà un gruppo di esperti tra cui Maria Luisa Frisa, Giusi Ferrè, Lapo Cianchi e Federico Sarica. A seguire della discussione del gruppo ci sarà un’ altro talk sul lancio ufficiale di Modesign/Fashion at Iuav 2013 che avrà luogo alle ore 21:00 e sarà moderato da Giusi Ferrè.

Giovedì 4 luglio presso la sede di Treviso dell’ Università Iuav ci sarà la mostra “Close-up, sguardi sull’ attività del Corso in Design della Moda”, curata da Maria Bonifacic che esporra il lavoro degli studenti, “Fashion ephemera by Antonio Marras documenti per gli studi di moda”, display by Mario Lupano che espone documenti di moda, “Strike a pose”, un evento di shooting. Seguirà “Refuso tessile. Archivio, riciclo e procedure progettuali” una mostra, curata da Maria Cristina Cerulli e Martina Bernardi che sarà inaugurata presso l’ Archivio di Stato di Treviso alle ore 17:00 e proseguirà fino al 12luglio. Dopo Giusi Ferrè modererà il primo talk “La felicità del made in Italy, conversazioni sulla moda, l’ industria e il territorio” con Brunello Cucinelli che si terrà alla Loggia dei Cavalieri di Treviso alle ore 18:00 e l’ evento proseguirà con “Ritorno al futuro e second skin”, mostra delle orpere degli studenti della Iuav che sono stati finanziati da brands quali Lotto e Stonefly. La giornata sarà conclusa dal secondo talk alle ore 21:00 , con il CEO del Gruppo Coin Stefano Beraldo.

Il formidabile evento si chiuder il 5 luglio con un talk, “Per una fotografia italiana di moda” che si terrà presso l’ associazione culturale TRA di Treviso, l’inaugurazione della mostra “Linen yearn: il lino nel lavoro di due scuole di moda: London Central Saint Martins e della Università Iuav di Venezia” presso i Musei Civici di Venezia che proseguirà fino al 13 luglio, il graduation show e un formidabile after party. Un evento imperdibile che dimostra un lodevole lavoro di una istituzione pubblica, dedita a creare solidi risultati per accrescere, sostenere e condividere la cultura della moda e la creatività emergente.

www.iuav.it

www.ashadeviewonfashion.com

Maria Luisa Frisa holding a decoration (written: how can I help you?) part of the dress-code of a student who welcomed the audience at Iuav University

Modesign/Fashion’s event at Iuav 2013, happened recently and it consisted of exhibitions at Iuav University such as “Close-up. Sguardi sull’ attività del Corso di Laurea di Design della moda”, curated by Maria Bonifacic, “Fashion ephemera by Antonio Marras” curated by Mario Lupano (with whom I shared a Summer Epicurean interlude in a smashing place, the Giardino Bistrot, along with the blogger Nally Bellati, we had a delicious and fresh chicken salad and drank fresh mint tea) and the display of Bag factor 2013, which presented the results of a bag design workshop in collaboration with Bottega Veneta  and curated by Elda Danese.

The magazines on display

The book written by the Iuav’s professors as Maria Luisa Frisa

The final dissertation of a Iuav graduated student

A fragment of students’ life at Iuav

A film documenting the work made by students at Iuav

Another smashing exhibition about the textiles has been “Refuso tessile. Archivio, riciclo e procedure progettuali”, curated by Maria Cristina Cerulli and Martina Bernardi which was held at the Treviso Archivio di Stato and showcased the work by Paoletti woolen mill.

The works by Iuav students

The shooting area at Iuav

Bag factor 2013

The day continued with talks moderated by Giusi Ferrè where I met Brunello Cucinelli, appreciating his simplicity, dressed up with catholic-communist suggestions and many quotations, self-service of pre-packed thoughts (coming from Immanuel Kant, Vittorio Alfieri and another one which is commonly used in the fashion scene beyond the reading of “The idiot” by Fiòdor Dostoiewski: “beauty will save the world”, though he has been very elusive about the concept of his brand) and the words of Stefano Beraldo, CEO of Coin Group who told about the projects made in the realm of luxury as the opening of the Milan concept-store Excelsior as well in the fast-fashion realm started by Oviesse, the fast-fashion chain of group, involving fashion schools, graduated students and fashion designers in collaboration with Central Saint Martin’s and Matthew Williamson who announced the last step of project: a collaboration on the same project with the Milan fashion school Istituto Marangoni and the brand Aspesi.

MODESIGN/FASHION AT IUAV 2013(2)

The coffee shop-restaurant Giardino Bistrot

Modesign l’ evento Moda alla Iuav del 2013, ha recentemente avuto luogo ed ha compreso mostre presso l’ Università Iuav quali “Close-up. Sguardi sull’ attività del Corso di Laurea di Design della moda”, curata da Maria Bonifacic, “Fashion ephemera di Antonio Marras” curate da Mario Lupano (con il quale ho condiviso un intermezzo estivo epicureo in un formidabile luogo, il Giardino Bistrot unitamente alla blogger Nally Bellati, abbiamo gustato una deliziosa e fresca insalata di pollo e bevuto tè verde alla menta) e l’ esposizione di Bag factor 2013 che presentava i risultato di un workshop di design della borsa in collaborazione con Bottega Veneta e curato da Elda Danese.

The work by one of New Comers 2013, Martina Mazzon at Giardino Bistrot

Martina Mazzon at the Giardino Bistrot

Mario Lupano

Nally Bellati taking a picture of the Giardino Bistrot’s owners

Un’ altra formidabile mostra sui tessuti è stata “Refuso tessile. Archivio, riciclo e procedure progettuali”, curata da Maria Cristina Cerulli e Martina Bernardi che si è tenuta presso l’ Archivio di Stato di Treviso ed ha esposto l’ opera del lanificio Paoletti.

The exhibition Refuso Tessile at the Treviso Archivio di Stato

The Treviso Archivio di Stato

La giornata è continuata con i talks moderati da Giusi Ferrè presso i quali ho incontrato Brunello Cucinelli, apprezzando la sua semplicità, condita da suggestioni catto-comuniste e plurime citazioni, self-service di pensieri preconfezionati (provenienti da Immanuel Kant, Vittorio Alfieri e un’ altra che è comunemente usata negli ambienti della moda al di là della lettura de “L’ idiota” di Fiòdor Dostoiewski: “la bellezza salverà il mondo”, benché sia stato molto elusivo riguardo al concept del suo brand) e le parole di Stefano Beraldo, CEO del Gruppo Coin che ha parlato dei progetti realizzati nell’ ambito del lusso quali l’ apertura del concept-store di Milano Excelsior come anche nellì ambito della fast-fashion intrapresi da Oviesse, la catena di fast-fashion del gruppo che coinvolgono scuole di moda, studenti neo-diplomati e fashion designers in collaborazione con la Central Saint Martin’s e Matthew Williamson, costui ha annunciato l’ ultimo passo del progetto: una collaborazione con la scuola di moda milanese Istituto Marangoni e il brand Aspesi.

A view on Treviso, a beautiful city

A drama oriented street in Treviso I like: via dei Filodrammatici

Maria Luisa Frisa, Giusi Ferrè and Brunello Cucinelli

Sofia, a young promising student at Iuav and genuine individual who gave me as a gift a smashing afternoon interlude

Andrea Tomat and Maria Luisa Frisa

A sunset interlude at Iuav featuring Valeria Regazzoni and me

Maria Luisa Frisa introducing the second talk moderated by Giusi Ferrè featuring Stefano Beraldo

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www.ashadedviewonfashion.com

Stefan Pollak, Anja Aronowsky-Cronenberg, Alessio Ascari and Maria Luisa Frisa

Modesign/Fashion at Iuav 2013 ended with a series of smashing initiatives under the sign of fashion and its culture. The last day started with “Per una fotografia italiana di moda”, talk which was held at the Treviso TRA (Treviso, Ricerca, Arte) cultural association moderated by Saul Marcadent with a panel of experts which included Maria Luisa Frisa, Alan Chies, Andrea Batilla, Stefan Pollak, Anja Aronoowsky-Cronenberg, Alessio Ascari and Sabrina Ciofi who talked about media, magazines and independence. The focus of the talk was independence and the freedom of experimentation and involving emerging creatives.

Alessio Ascari, Maria Luisa Frisa, Sabrina Ciofi, Andrea Batilla and Alan Chies

Saul Marcadent, the moderator of talk and curator of exhibition

Christopher Arden-Houser at the talk

That is a true and reasonable issue, though the independence as value in action should concern the whole circuit which gives rise to a magazine, even if it’s hard to commercialize an independent magazine without using the mainstream circuit of distribution. It’s hard, but it’s not impossible (otherwise the independence and values such as integrity and vision are just a charming artifice, hiding a dynamic of the mainstream press which, considering its role and position, frequently inserted in big group of media companies, should act differently, in the name of big numbers. Independence would be the only means for justifying the existence of a different product, resulting from its contents and it would be a too weak basis).

The exhibition “Six photographers for six fashion magazines”at Treviso Tra

Anja Aronowsky-Cronenberg, the editor-in-chief of magazine Vestoj, talked about her work experience, focusing on the Vestoj’s Manifesto which forbids any advertising (the most sensitive topic which is the condition of health and long life of a magazine) and represents the compromise which a magazine has to do, balancing and addressing the information given to the needs coming from the brands that paid for it), something I appreciated very much. (After all the times are ready to give rise to a new marketing strategy which is ethical inside out the realm of media). The talk ended with the visit at the exhibition “Flou, six photographers for six independent magazines”, curated by Saul Marcadent which included a beautiful portrait pic of Suzy Menkes.

A series of pictures including the portrait photo of Suzy Menkes

The author and professor Alessandra Vaccari I saw at the end of talk

Later in the early afternoon I visited another exhibition, “Linen Yarn. Il lino nel lavoro degli studenti di due scuole di moda: Central Saint Martin’s di Londra e Università Iuav di Venezia”, curated by Cristiano Seganfreddo. The event has shared with another event, the launch of the fashion tradeshow event Origin, Passion and Beliefs, created by Fiera di Vicenza and Not Just a Label and has been a successful chance to appreciate the laudable work made by Iuav students as Sophia Crema and Alma Ricci as well as to see Stefan Siegel of NJAL.

Linen Yarn

Sophia Crema and Alma Ricci from Iuav University

Hannah Donkin from London Central Saint Martin’s

Gianmarco Barnes

Sophia Crema and Alma Ricci from the Iuav University

Benedict Andallo from the London Central Saint Martin’s

Sophia Crema and Alma Ricci

Cristiano Seganfreddo

Silvano Arnoldo and me

The Mr. Ripleyesque Stefan Siegel

The day ended with two fashion shows, the Iuav Graduation show, curated by Kinkaleri which took place at the Treviso Edmondo De Amicis elementary school and the MA Graduation show, a fashion performance curated by Kinkaleri which was held at the Treviso Chamber of Commerce. The fashion shows displayed  the excellence of the emerging creativity from Iuav in the realm of menswear, presenting outfits that were ready to be commercialized and have nothing less than the products by emerging brands I saw recently during the latest fashion tradeshow events. That is a relevant result got by a public institution which trains young creatives and I celebrate as to study for becoming a fashion designer is a chance everyone should have beyond its own balance restrictions.

MODESIGN/FASHION AT IUAV 2013(3)

The Iuav graduation show

Modesign/Fashion at Iuav 2013 si è concluso con una serie di formidabili iniziative all’ insegna della moda e della sua cultura. L’ ultimo giorno è cominciato con “Per una fotografia italiana di moda”, talk che si è tenuto presso l’ associazione culturale TRA (Treviso, Ricerca, Arte) di Treviso moderato da Saul Marcadent con un gruppo di esperti che ha incluso Maria Luisa Frisa, Alan Chies, Andrea Batilla, Stefan Pollak, Anja Aronoowsky-Cronenberg, Alessio Ascari e Sabrina Ciofi che hanno parlato dei mass-media, magazines e independenza. Il fulcro del talk era l’ indipendenza e la libertà di sperimentazione e coinvolgimento di creativi emergenti.

Ciò è vero e ragionevole, benché l’ indipendenza quale valore in azione dovrebbe riguardare l’ intero circuito che dà vita a un magazine, pur essendo difficile commercializzare un magazine indipendente senza avvalersi del circuito di distribuzione di mainstream. É difficile, ma non è impossibile (altrimenti l’ indipendenza e valori quali integrità e visione sono soltanto un affascinante artificio che nasconde una dinamica della editoria di mainstream che, considerando il suo ruolo e la sua posizione, frequentemente inserita in grandi gruppi di società, dovrebbe agire diversamente, nel nome di grandi numeri. L’ indipendenza sarebbe l’ unico mezzo per giustificare l’ esistenza di un prodotto differente che deriva  la sua indipendenza unicamente dai suoi contenuti e ciò sarebbe un fondamento troppo debole).

The Iuav Fashion show at the Treviso elementary school Edmondo de Amicis

Anja Aronowsky-Cronenberg, il direttore editoriale del magazine Vestoj, ha parlato della sua esperienza lavorativa, soffermandosi sul Manifesto di Vestoj che vieta ogni pubblicità (l’ argomento più sensibile che è la condizione di salute e lunga vita di un magazine) e rappresenta il compromesso che un magazine deve fare, bilanciando e indirizzando l’ informazione fornita alle esigenze derivanti dai brand che hanno pagato la pubblicità), qualcosa che ho apprezzato molto. ( Dopo tutto i tempi sono maturi per dar vita a una nuova strategia di marketing che sia etica dentro e fuori dall’ ambito dei mass media). Il talk si è concluso con la visita alla mostra “Flou, sei fotografi per sei magazines indipendenti”, curata da Saul Marcadent che includeva un bel ritratto di Suzy Menkes.

Successivamente, nel primo pomeriggio ho visitato un’ altra mostra, “Linen Yarn. Il lino nel lavoro degli studenti di due scuole di moda: Central Saint Martin’s di Londra e Università Iuav di Venezia”,curata da Cristiano Seganfreddo. L’ evento è stato condiviso da un altro evento, il lancio dell’ evento fieristico di moda Origin, Passion and Beliefs, creato da Fiera di Vicenza e Not Just a Label ed è stato una felice occasione per apprezzare il lodevole lavoro realizzato dagli studenti della Iuav quali Sophia Crema ed Alma Ricci come anche per incontrare Stefan Siegel di NJAL.

Simone Sbarbati aka Frizzifrizzi I saw at the Iuav Graduation Fashion show

La giornata si è conclusa con due sfilate, la Iuav Graduation show, curata da Kinkaleri che ha avuto luogo presso la Scuola Elementare di Treviso Edmondo De Amicis e il MA Graduation show, una fashion performance curata da Kinkaleri che si è tenuta presso la Camera di Commercio di Treviso. Le sfilare hanno esposto l’ eccellenza della creatività emergente della Iuav nell’ ambito dell’ abbigliamento uomo, presentando outfits che erano pronti per essere commercializzati e non hanno nulla in meno dei prodotti di brand emergenti che ho recentemente visto in occasione degli ultimi eventi fieristici di moda. Ciò è un risultato significativo ottenuto da una istituzione pubblica che forma giovani creativi e celebro poiché studiare per diventare un fashion designer è una possibilità che tutti dovrebbero avere a prescindere dal proprio vincolo di bilancio.

The Iuav MA fashion show, a fashion performance curated by Kinkaleri

www.iuav.it

www.ashadedviewonfashion.com

A.I. at the Rome Biblioteca Angelica, photo by Giorgio Miserendino

The latest edition of A.I. (format of Altaroma, created by Clara Tosi Pamphili standing as Artisanal Intelligence and makes concrete an exhibition event under the sign of art, craftsmanship and fashion) was held at the suggestive rooms of Rome Biblioteca Angelica where it was showcased the Fall/Winter 2013-2014 by the brilliant Ludovica Amati (of whose collection has recently featured in a fashion film directed by Silvia Morani), the genius Australian milliner Naomi Goodsir, Paola Balzano, Simone Valsecchi, Soul Skin, Dom and Alessandro di Cola. The display also included the photographs made by the bright, nice photographer Mustafa Sabbagh and Edoardo Cicconi. The result has been an unusual, opened dialogue between different channels of communication to celebrate the doing, craftsmanship, emerging talents and creativity.

ALTAROMA: A.I., ARTE, ARTIGIANALITÀ & MODA PRESSO LA BIBLIOTECA ANGELICA DI ROMA

A.I, at the Rome Biblioteca Angelica, clothes by Paola Balzano, photo by Giorgio Miserendino

L’ ultima edizione di A.I.(format di Altaroma, creato da Clara Tosi Pamphili che equivale ad Artisanal Intelligence e concretizza un evento espositivo all’ insegna di arte, artigianalità e moda) si è tenuta presso le suggestive stanze della Biblioteca Angelica di Roma in cui è stata esposta la collezione autunno/inverno 2013-2014 della brillante Ludovica Amati (la cui collezione è stata recentemente protagonista di un fashion film diretto da Silvia Morani), la geniale designer di cappelli australiana Naomi Goodsir, Paola Balzano, Simone Valsecchi, Soul Skin, Dom ed Alessandro di Cola. L’ esposizione ha incluso anche le fotografie realizzate dal brillante, simpatico fotografo Mustafa Sabbagh e da Edoardo Cicconi. Il risultato è stato un insolito dialogo aperto tra differenti canali di comunicazione che ha celebrato il fare, l’ artigianato, i talenti emergenti e la creatività.

Ludovica Amati, photo by Giorgio Miserendino

Ludovica Amati, photo by Giorgio Miserendino

Ludovica Amati, photo by Giorgio Miserendino

Ludovica Amati, photo by Giorgio Miserendino

Ludovica Amati along with the creations she made, photo by Giorgio Miserendino

Mustafa Sabbagh, photo courtesy of A.I.

Mustafa Sabbagh, photo courtesy of A.I.

Mustafa Sabbagh, photo courtesy of A. I.

Mustafa Sabbagh, photo courtesy of A.I.

Naomi Goodsir, photo by Giorgio Miserendino

Naomi Goodsir, photo by Giorgio Miserendino

Naomi Goodsir, photo by Giorgio Miserendino

Naomi Goodsir, photo by Giorgio Miserendino

Naomi Goodsir, photo by Giorgio Miserendino

Naomi Goodsir, photo by Giorgio Miserendino

Naomi Goodsir, photo by Giorgio Miserendino

Naomi Goodsir, photo by Giorgio Miserendino

Naomi Goodsir, photo by Giorgio Miserendino

Naomi Goodsir, photo by Giorgio Miserendino

Simone Valsecchi, photo by Giorgio Miserendino

Bags by Alessandro di Cola, photo by Giorgio Miserendino

Bags by Dom, photo by Giorgio Miserendino

Leather jackets by Soul Skin, photographs by Edoardo Cicconi,  photo by Giorgio Miserendino

www.altaroma.it

Jack in the pulpit featuring the photographs by Marco D’ Amico, the multimedia installation by Quiet Ensemble and the jewels by Giuliana Mancinelli Bonafaccia

Jack in the pulpit, exhibition event included in the calendar of Altaroma, which was held at the Rome Museo dei Fiorentini featured a display of the new collection made by the brilliant jewel designer Giuliana Mancinelli Bonafaccia, catchy architectures, inspired by Georgia O’ Keefe and Edward Weston, evidencing the successful development of her creativity. Here  it was also exhibited the photographs by Marco D’ Amico, documenting the collection by Giuliana along with the multimedia installation by the Quiet Ensemble, bright ensemble of geometries under the sign of art and design.

ALTAROMA: JACK IN THE PULPIT, IL VIAGGIO TRA ARTE & DESIGN CON GIULIANA MANCINELLI BONAFACCIA

Jack in the pulpit featuring the photographs by Marco D’ Amico, the multimedia installation by Quiet Ensemble and the jewels by Giuliana Mancinelli Bonafaccia

Jack in the pulpit, evento espositivo incluso nel calendario di Altaroma, che si è tenuto presso il Museo dei Fiorentini di Roma e di cui è stata protagonista l’ esposizione della nuova collezione realizzata dalla brillante designer di gioielli Giuliana Mancinelli Bonafaccia, accattivanti architetture che si ispirano a Georgia O’ Keefe ed Edward Weston, dimostrando la felice consolidazione della sua creatività. Ivi sono state esposte anche le fotografie di Marco D’ Amico che documentano la collezione di Giuliana unitamente all’ installazione multimediale del Quiet Ensemble, felice unione di geometrie all’ insegna di arte e design.

Photographs by Marco D’ Amico, jewels by Giuliana Mancinelli Bonafaccia, photo by Giorgio Miserendino

Giuliana Mancinelli Bonafaccia, photo by Giorgio Miserendino

Giuliana Mancinelli Bonafaccia, photo by Giorgio Miserendino

Giuliana Mancinelli Bonafaccia, photo by Giorgio Miserendino

Giuliana Mancinelli Bonafaccia, photo by Giorgio Miserendino

Giuliana Mancinelli Bonafaccia, photo by Giorgio Miserendino

Giuliana Mancinelli Bonafaccia, photo by Giorgio Miserendino

Giuliana Mancinelli Bonafaccia, photo by Giorgio Miserendino

Giuliana Mancinelli Bonafaccia, photo by Giorgio Miserendino

Giuliana Mancinelli Bonafaccia, photo by Giorgio Miserendino

www.giulianamancinelli.com

www.altaroma.it

Tony Viramontes, photo by Alice Springs, 1986, courtesy of Galleria Carla Sozzani

The illustrations of celebrated fashion illustrator Tony Viramontes will feature in the exhibition “Tony Viramontes, bold beautiful and damned” which will be held from 5^th September to 3^rd November 2013 in Milan at the renowned Carla Sozzani Gallery. Here it will be told the creative path of the artist, his unique, hard and direct style which has been a great contrast which the soft pastel school of fashion illustration which prevailed during the late Seventies, age where the Los Angeles fashion illustrator debuted. A smashing showcase of his work, including works resulting from collaborations with brands as Valentino, Jean Paul Gaultier, Claude Montana and portraits of personas as Duran Duran, Janet Jackson and Paloma Picasso, evidencing and imagery depicting an age, the New wave age and its shining vibrations and successfully telling avout the idea, guideline of Tony Viramontes: “it is essential to capture an image, not a detail, not a garment or an expression, but an impression”. A not to be missed happening to enjoy a vibrant creative who marked an age.

TONY VIRAMONTES, BOLD BEAUTIFUL & DAMNED ALLA GALLERIA CARLA SOZZANI DI MILANO

Valentino Haute Couture, 1984, courtesy of Galleria Carla Sozzani

Le illustrazioni del celebre illustratore di moda Tony Viramontes saranno protagonisti della mostra “Tony Viramontes, bold beautiful and damned” che si terrà dal 5 settembre al 3 novembre 2013 a Milano presso la rinomata Galleria Carla Sozzani. Ivi sarà raccontato l’ iter creativo dell’ artista, il suo unico stile ruvido e diretto che ha rappresentato un grande contrasto con la scuola del leggiadro pastello prevalente durante la fine degli anni Settanta, epoca in cui l’ illustratore di moda Los Angeles ha debuttato. Una formidabile esposizione della sua opera che include lavori derivanti dalle collaborazioni con Valentino, Jean Paul Gaultier, Claude Montana e ritratti di personaggi quali Duran Duran, Janet Jackson e Paloma Picasso, un immaginario che dipinge un’ epoca, l’ epoca della New wave e le sue splendide vibrazioni e racconta felicemente l’ idea, la linea guida di Tony Viramontes: “è essenziale catturare un’ immagine, non un dettaglio, non un capo o un’ espressione, ma un’ impressione”. Un evento imperdibile per apprezzare un vibrante creative che ha segnato un’ epoca.

Jean Paul Gaultier by Tony Viramontes, 1984, courtesy of Galleria Carla Sozzani

Janice Dickinon in a hat by Montana by Tony Viramontes, 1984, courtesy of Galleria Carla Sozzani

Paloma Picasso by Tony Viramontes, 1984, photo courtesy of Galleria Carla Sozzani

www.galleriacarlasozzani.org

“Holy and profane” by Ira von Fürstenberg, the catalogue curated by Caterina Napoleone

“Holy and profane” is the theme of collection of items made of rock crystal, gems and marble, created by the iconic socialite Ira von Fürstenberg – famous jet-setter who has been muse of Cecil Beaton and Irvin Penn and collaborated with renowned haute couture fashion houses – and recently presented in the suggestive rooms of the Milan Palazzo Valsecchi. “All of the holy contains the profane and vice versa”, thus Ira asserts, talking about the idea being behind the works she made. A smashing combinations of patterns coming from the religious traditions. The past experience overlaps with present. Totemic patterns as skulls, snakes, crosses and hearts join, giving rise to catchy creations: chandeliers, vases, bowls, cups. Little big sculptures, artworks telling about story, culture, embodying baroque suggestions, the sense and taste of splendor.

IL SACRO & PROFANO DI IRA VON FÜRSTENBERG A PALAZZO VALSECCHI DI MILANO

Ira von Fürstenberg, photo by Rita Paesani

“Sacro e profano” è il tema della collezione di oggetti realizzati in cristallo di rocca, pietre preziose e marmi, creati dalla iconica socialite Ira von Fürstenberg – famosa jet-setter che è stata la musa di Cecil Beaton, Irvin Penn e ha collaborato con rinomate case di alta moda – e recentemente presentato nelle suggestive stanze del Palazzo Valsecchi di Milano. “Tutto il sacro contiene il profane e viceversa”, così afferma Ira, parlando dell’ idea che sta dietro alle opere da lei realizzate. Una formidabile combinazione di motivi provenienti dalle tradizioni religiose. L’ esperienza del passato si sovrappone al presente. Totemici, motivi quali teschi, serpenti, croci e cuori si uniscono, dando vita ad accattivanti creazioni: candelabri, vasi, coppe, tazze. Piccole, grandi sculture, opere d’ arte che parlano di storia, cultura, racchiudono barocche suggestioni e il senso, il gusto dello sfarzo.

Palazzo Valsecchi

Palazzo Valsecchi

Ira von Fürstenberg

Ira von Fürstenberg

Ira von Fürstenberg

Ira von Fürstenberg

Ira von Fürstenberg

Ira von Fürstenberg

Ira von Fürstenberg

Ira von Fürstenberg

Ira von Fürstenberg

Ira von Fürstenberg

A details of furniture being at Palazzo Valsecchi

A detail of furniture being at Palazzo Valsecchi

Cesare Cunaccia and Emanuella Pisetti

Everything is illuminated: the splendor of Marisela Federici’ s smile

Konstantina, Pierre Gonnord, Madrid Galeria Juana de Aizpuru

It will be opened on 5^th November 2013 at the Milan Mc2gallery the solo show of celebrated French photographer Pierre Gonnord, organized in collaboration with the Madrid Galeria Juana de Aizpuru. The exhibition, which will run through 7^th February 2014, will feature the marvelous portraits made by the artist of whose plays of light and dark remind the Spanish classic painting and tell about stories of life and dignity, going beyond the sense of belonging to a group: gipsy, miners, marginalized people. The deepness of their eyes is the feature of a coral tale, talking about humanity and questioning who we are, giving rise to a confront with social classes and people who in everyday life have no chance to do that. A not to be missed happening for all the ones who are devoted to art.

MISERIA & NOBILTÀ: I RITRATTI DI PIERRE GONNORD ALLA MC2GALLERY DI MILANO

Adela, Pierre Gonnord, Madrid Galeria Juana de Aizpuru

Sarà inaugurata il 5 novembre 2013 alla Mc2gallery di Milano la personale del celebre fotografo francese Pierre Gonnord, organizzata in collaborazione con la Galeria Juana de Aizpuru di Madrid. La mostra che proseguirà fino al 7 febbraio 2014 avrà quali protagonisti gli splendidi ritratti realizzati dall’ artista i cui giochi di luce e ombra ricordano la pittura classica spagnola e raccontano storie di vita e dignità, miseria e nobiltà che vanno al di là del senso di appartenenza a un gruppo: gitani, minatori, emarginati. La profondità dei loro occhi è protagonista di una storia corale che parla di umanità e si interroga su chi siamo, dando vita a un confronto tra classi sociali e individui che nella vita di ogni giorno non hanno la possibilità di effettuare. Un evento imperdibile per tutti coloro che sono devoti all’ arte.

Attia, Pierre Gonnord, Madrid Galeria Juana de Aizpuru

Friedrich, Pierre Gonnord, Madrid Galeria Juana de Aizpuru

Sandro, Pierre Gonnord, Madrid Galeria Juana de Aizpuru

Senen, Pierre Gonnord, Madrid Galeria Juana de Aizpuru

www.mc2gallery.com

Isabella Blow, photo courtesy of Somerset House

It touched me to read the piece by Andrew O’ Hagan, appeared today on T magazine, the blog by New York Times, announcing the exhibition “Isabella Bow, Fashion Galore!”, organized by the Isabella Blow Foundation in collaboration with the Central Saint Martins which will be held in London at the Somerset House from the 20^th November 2013 to 2^nd March 2014. The article I am glad to share with you dear FBFers features a private memory of Isabella Blow told by Jeremy Langmead along with precious remarks about the essence of eccentricity, its core, what separates style and uniqueness from fashion, what represents an icon, a dandy and distinguishes it from an aesthete, modern Des Esseintes (leading character of “Against the grain”, the novel by Joris-Karl Huysmans) with more or less successful results in terms of surface(though the surface often justifies and substitutes the lack of contents and ideas). Genuineness in the way of being, thinking, acting and doing. That is the way I remember and celebrate Isabella Blow, a real eccentric, her work, as well as the one made by others legendary eccentrics as Vivienne Westwood, Leigh Bowery, Anna Piaggi, Yves Saint Laurent and Quentin Crisp who gave us a lot in terms of emotions and ideas, ways to look at reality, to be, by considering another side, using another point of view, nullifying the clichés of conventional way of thinking.

“The meaning of a true eccentric isn’t in the costume — it’s in the soul.

Jeremy Langmead tells a memorable story about Isabella Blow. “Imagine the office at News International, all the male journalists sitting around in shirt sleeves,” Langmead says. Now the editor in chief of the online men’s wear retailer Mr Porter, Langmead was the editor who hired Isabella Blow as fashion director of the Sunday Times Style Magazine in London in 1997. “In comes Isabella wearing giant mink antlers sticking out from the top of a coat. It was absolutely about who she was in her soul. At lunchtime she would sit among all the printers, eating her roast beef dressed like that, as if it was the most natural thing in the world.”

The outlandish, deeply unusual former assistant at Vogue who became mentor to a generation of fashion designers, editors and photographers, Isabella Blow is the subject of a new exhibition set amid the Neo-Classical splendor of London’s Somerset House. The surroundings are appropriate, for this is not just a show but an acknowledgement of how her sense of style opened the minds of her peers. She is hereby raised into the pantheon, lauded for the very personal vision that once disgusted the establishment.

Blow was eccentric from her top feathers to the paint that adorned her toes. I used to see her at parties sometimes, and she was a fantastically alarming person; when she smiled, throwing her head back, you saw a sneering mouth so red with lipstick that it was like an open wound. She never seemed like just another one of the fashion crowd: she was a visionary who ripened with new ideas every morning, not every season, and was a genuine muse in a world of phonies.

Leigh Bowery, photo by Nick Knight

Yves Saint Laurent, photo by Richard Avedon

Quentin Crisp, photo courtesy of Crisperanto: the Quentin Crisp Archives (crisperanto.org)

True eccentrics — the Isabella Blows, the Vivienne Westwoods, the Anna Piaggis and the Stephen Tennants, as if there could ever be more than one of each — are the kind of people whose entire existence is devoted to individuality and innovation. That’s what makes a real eccentric: they really mean it, and they’re willing to suffer for it. Their social function is to explode our preconceptions about what beauty is and what good taste means. Eccentrics raise the bar on the impossible.

Yet, unfortunately, there are a few too many fake ones out there now. These are the imitators, the publicity scavengers, the ones who think it’s merely about fame or attention. They seem to be working not from a brilliant fund of ideas or from a conviction that their outer selves must be used to express a fascinating inner landscape. On the contrary, they’re just showoffs who dress up for the cameras. For people interested in our contemporary times, this is an important distinction: the true eccentric gives us more mystery, more wonder about being human, a new side to beauty, while the faux-eccentric gives us less of everything.”

ECCENTRICITÀ & AUTENTICITÀ COME STILE DI VITA: ISABELLA BLOW

Isabella Blow, photo by Sean Ellis, courtesy of tmagazine.blogs.nytimes.com/

Mi ha emozionato leggere il pezzo di Andrew O’ Hagan, apparso oggi su T magazine, il blog del New York Times che annuncia la mostra “Isabella Bow, Fashion Galore!”, organizzata dalla Isabella Blow Foundation in collaborazione con la Central Saint Martins che si terrà a Londra presso la Somerset House dal 20 novembre 2013 al 2 marzo 2014. L’ articolo che sono lieta di condividere con voi, cari FBFers, ha quale protagonista un ricordo Isabella Blow raccontato Jeremy Langmead unitamente a preziose delucidazioni sull’ essenza dell’ eccentricità, il suo cuore, ciò che separa lo stile e l’ unicità dalla moda, ciò che rappresenta un icona, un dandy e lo distingue da un esteta, dai moderni Des Esseintes ( protagonista di “A ritroso”, il romanzo di Joris-Karl Huysmans) con più o meno felici risultati in termini di superficie (benché la superficie spesso giustifichi e sostituisca la mancanza di contenuti ed idee). Genuinità nell’ essere, pensare, agire e fare. Così mi piace ricordare e celebrare Isabella Blow, una vera eccentrica, il suo lavoro e quello di altri leggendari eccentrici quali Vivienne Westwood, Leigh Bowery, Anna Piaggi, Yves Saint Laurent e Quentin Crisp che ci hanno dato tanto in termini di emozione ed idee, modi di guardare la realtà, di essere, considerando un’ altra dimensione, avvalendosi di un altro punto di vista, vanificando i clichés del pensiero convenzionale.

Il significato di un vero eccentrico non si trova nell’ abito – è nell’ anima.

Jeremy Langmead racconta una memorabile storia su Isabella Blow. “Immagina l’ufficio di News International, tutti i giornalisti uomini che bighellonano in camicia,” Langmead racconta. Adesso l’ editor in chief del rivenditore di abbigliamento uomo Mr Porter, Langmead era l’ editore che ha assunto Isabella Blow come fashion director del Sunday Times Style Magazine a Londra nel 1997. “Entra Isabella che indossa  gigantesche corna di visone che spuntano fuori dalla parte superiore di un cappotto. Assolutamente era tutta una questione di chi ella fosse nella sua anima. All’ ora di pranzo stava seduta in mezzo a tutti i tipografi, a mangiare il suo roast beef condito in quel modo, come se fosse la cosa più naturale al mondo.”

La stravagante, profondamente fuori dal comune ex assistente di Vogue che è diventata il mentore di una generazione di fashion designers, editori e fotografi, Isabella Blow è il soggetto di una nuova mostra allestita tra lo splendore neoclassico della Somerset House di Londra. Gli ambienti sono appropriati, per ciò che non è soltanto una mostra, ma un riconoscimento di come il suo senso di stile abbia aperto le menti dei suoi pari. È con questo elevata all’ interno del pantheon, lodata per la sua personale visione che una volta disgustava l’ establishment.

La Blow era una eccentrica dalla cima delle sue piume al colore che adornava le dita dei piedi.  Ero solito incontrarla alle feste qualche volta ed era una persona fantasticamente allarmante, quando sorrideva, sbattendo indietro la testa, vedevi una bocca beffarda talmente rossa di rossetto che sembrava una ferita aperta. Non era mai simile a nessun altro della gente della moda: era una visionaria che maturava nuove idee ogni giorno, non ogni stagione, ed era una musa vera in un mondo di falsi.

Vivienne Westwood, photo courtesy viviennewestwood.co.uk

Anna Piaggi, photo by N

I veri eccentrici — le Isabella Blow, le Vivienne Westwood, le Anna Piaggi e gli Stephen Tennant, come se ci potesse mai essere più di uno di loro – sono il tipo di persone la cui intera esistenza è dedicata all’ individualità e all’ innovazione. Questo è ciò che rende tale un vero eccentrico: essi intendono davvero ciò e sono disposti a soffrire per questo. La loro funzione sociale è distruggere i nostri preconcetti su ciò che la bellezza sia e su ciò che si intenda per buon gusto. Gli eccentrici alzano il tiro sull’ impossibile.

Finora, sfortunatamente, ce ne è qualcuno, troppi i finti che sono adesso là fuori. Questi sono gli imitatori, i predatori di pubblicità, quelli che pensano che sia meramente una questione di fama o attenzione. Sembrano intenti a operare non partendo da un brillante deposito di idee o dalla convinzione che la loro esteriorità debba essere usata per esprimere un affascinante panorama interiore. Al contrario sono soltanto gente che si esibisce, si veste per esporsi dinanzi ai flash delle macchine fotografiche. Per la gente interessata alla nostra contemporaneità, questo è un importante tratto distintivo: il vero eccentrico ci regala più mistero, più meraviglia riguardo all’ essere umano, una nuova dimensione di bellezza, mentre i finti eccentrici ci regalano meno di tutto.”

http://tmagazine.blogs.nytimes.com

http://www.somersethouse.org.uk

Hanna Liden

It will be opened on 4^th November 2013, at 6:30 pm, in Rome at the Galleria Lorcan O’ Neill “Diamonds in the Mine” the solo exhibition (running through 13^th December 2013) by Hanna Liden, bright young artist who is Stockholm native and based in New York, featuring the new sculptures made of unusual materials as cement, tin cans, beer bottles, cheap sunglasses, garbage bags and chains that successfully emphasize her creative search: to explore the ignored edges of urban living. A not to be missed happening to know and enjoy a bright artist.

“DIAMONDS IN THE MINE”, LE SCULTURE DI HANNA LIDEN ALLA GALLERIA LORCAN O’ NEILL DI ROMA

Lorcan O’ Neill and me

Sarà inaugurata il 4 novembre 2013, alle ore 18:30, a Roma presso la Galleria Lorcan O’ Neill “Diamonds in the Mine” la personale (che proseguirà fino al 13 dicembre 2013) di Hanna Liden, brillante, giovane artista che è nata a Stoccolma e vive New York, di cui sono protagoniste le nuove sculture realizzate con insoliti materiali quali cemento, lattine, bottiglie di birra, occhiali da quattro soldi, borse della spazzatura e catene che enfatizzano felicemente la sua ricerca creativa: esplorare i limiti ignorati del vivere urbano. Un evento imperdibile per conoscere e apprezzare una brillante artista.

www.lorcanoneill.com

Orsorama

Orsorama, concept store joining, art, fashion and design, placed in Milan in Via dell’ Orso 14, is a genuine cathedral of visions and creativity. Its name combining the words “orso” (bear) and “diorama” reveals its purposes: “the diorama by bears over human beings” – as its bright, eclectic and visionary creator Matteo Bonelli tells about – or rather “a little crystal box featuring a representation of human in an identitary form”. It seems like a fairy tale, a surreal story, instead that is the reality, a light and at the same time extremely rigorous reality in regard of the playful element. “It’s like a masquerade” – Matteo says – “where objects, artists are the guests along with people featuring as guests and dress up, as they don’t do that professionally”. Fun, lightness successfully connects to a contemporary idea, diffused and made concrete by the web, the wiki or the constructive collaboration (other value inspiring Matteo who also created a blog Witizen.org, , focused on the contemporary times) and a religious rigor which joins deepness, occasionality and amateurism with the means of big company. This is and wants being Orsorama which is much beyond a concept store, it’s a real laboratory of culture where it shines a theatrical thematic depiction giving rise to an exclusive craftsmanship made of objects and limited editions as it evidences “Grazie dei Fiori”, the exhibition which showcased the works by Felipe Cardeña, Svetlana Schmidt and Silvio Giordano: surreal, colored and biting visions of nature along with a collection of scarves and t-shirts made by the artists that embody the patterns of works they made. A place to visit, enjoy and where to come back, a must for all the ones who are devoted to art, craftsmanship, design and fashion in its more ironic and catchy shapes.

OLTRE UN CONCEPT STORE: ORSORAMA, LA LUDICA CATTEDRALE MILANESE DI VISIONI & CREATIVITÀ

“Rasta Jesus”, “Madonna in the glitter”,  ”The Polka Summer”, digital prints by Svetlana Schmidt at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

Orsorama, concept store che unisce arte, moda e design, sito a Milano in Via dell’ Orso 14, è una autentica cattedrale di visioni e creatività. Il suo nome che unisce le parole “orso” e “diorama” svela la sua finalità: “il diorama degli orsi sugli umani” – come racconta il suo brillante, eclettico e visionario creatore Matteo Bonelli – ovvero “una piccola scatola di cristallo con una rappresentazione dell’ umano in forma identitaria”. Sembra una favola, una storia surreale, invece questa è la realtà, una realtà leggera e al tempo stesso estremamente rigorosa nella valorizzazione dell’ elemento ludico. “È come una festa in maschera” – aggiunge  Matteo – “in cui gli invitati sono gli oggetti, gli artisti, insieme a persone che partecipano da invitati e si travestono, poiché non lo fanno professionalmente”. Divertimento, leggerezza si congiungono felicemente a un’ idea contemporanea, diffusa dal web, il wiki ovvero la collaborazione costruttiva (altro valore che anima Matteo, il quale ha creato anche un blog Witizen.org, incentrato sulla contemporaneità) e a un religioso rigore che unisce profondità, occasionalità e dilettantismo con i mezzi della grande impresa. Questo è e vuole essere Orsorama che è ben oltre un concept store, è un vero laboratorio di cultura in cui splende una teatrale rappresentazione tematica che dà vita a una artigianalità esclusiva fatta di oggetti e limited editions come dimostra “Grazie dei Fiori”, la mostra che ha esposto le opere di Felipe Cardeña, Svetlana Schmidt e Silvio Giordano: surreali, colorate e graffianti visioni della natura unitamente a una collezione di foulard e t-shirt realizzate dagli artisti che racchiudono i motivi delle loro opere. Un luogo da visitare, apprezzare e in cui ritornare, meta obbligata per tutti coloro che sono devoti all’ arte, artigianalità, al design e alla moda nelle sue forme più ironiche e accattivanti.

“The Polka Summer”,  ”I love you”, “Spicy Bloody Mary mix”, digital prints by Svetlana Schmidt at Orsorama

“Sistema degli spiriti 06″ , paper collage by Silvio Giordano at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

“Sistema degli spiriti 03″, collage by Silvio Giordano at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

“Sistema degli spiriti  04″, paper collage by Silvio Giordano at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

“Sistema degli spiriti 01″, paper collage by Silvio Giordano at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

“Sistema degli spiriti 02″, paper collage by Silvio Giordano at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

“Sistema degli spiriti “, paper collage by Silvio Giordano at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

“Sistema degli spiriti 05″, paper collage by Silvio Giordano at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

“Beauty flowers”, collage on canvas by Felipe Cardeña at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

“Senza titolo”, collage on canvas by Felipe Cardeña at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

“The bonfire of vanities”, collage on canvas by Felipe Cardeña at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

“Satisflower”, collage on canvas by Felipe Cardeña at Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

The t-shirts embodying the prints of works by Silvio Giordano made exclusively for Orsorama

The t-shirt embodying the prints of work by Silvio Giordano made exclusively for Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

The t-shirts embodying the prints of works by Silvio Giordano made exclusively for Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

The pillows featuring the digital prints by Svetlana Schmidt for Orsorama

The pillows featuring the digital prints by Svetlana Schmidt for Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

The pillows featuring the digital prints by Svetlana Schmidt for Orsorama, photo by Vincenzo Torsello

The exclusive scarf by Svetlana Schmidt for Orsorama

The exclusive scarf by Svetlana Schmidt for Orsorama

Orsorama

The exclusive scarf by Svetlana Schmidt for Orsorama

Orsorama

The scarf depicting the work “Spicy bloody Mary mix” by Svetlana Schmidt at Orsorama

The exclusive scarf by Svetlana Schmidt at Orsorama

The scarf depicting “Madonna in the glitter” by Svetlana Schmidt at Orsorama

www.orsorama.com

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Garbage, banana peels, tin cans, bottles join with to cement and become art, the art by Hanna Liden, featuring in the opening of “Diamonds in the mine”, which is recently held in Rome at the Galleria Lorcan O’ Neill. The exhibition – running through 13th December 2013 – hosts suggestive totemic sculptures evoking  modern, tribal suggestions and tells about the search of artist: an exploration of urban living, enriched by all that is usually ignored.

UNA ESPLORAZIONE DELLA VITA IN CITTÀ: HANNA LIDEN ALLA GALLERIA LORCAN O’ NEILL DI ROMA

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

 Rifiuti, bucce di banana, lattine, bottiglie si uniscono al cemento e diventano arte, l’ arte di Hanna Liden, protagonista dell’ opening di “Diamonds in the mine”, che si è recentemente tenuta a Roma presso la Galleria Lorcan O’ Neill. La mostra – che prosegue fino al 13 dicembre 2013 – ospita suggestive sculture totemiche che evocano moderne suggestioni tribali e raccontano la ricerca dell’ artista: una esplorazione della vita in città, arricchita anche da tutto ciò che solitamente si ignora.

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

Hanna Liden, photo by Giorgio Miserendino

www.lorcanoneill.com

“Playful inter-action” is an interactive exhibition, ideated by Alcantara and MAXXI in collaboration with Fabrica ( Centre of communication research, placed in Treviso which is part of Benetton Group) to explore the sensorial experience of material which will be held in Rome at MAXXI from 12^th November 2013 to 5^th January 2014. The exhibition, curated by Giulio Cappellini (Alcantara art-director) and Domitilla Nardi (Design curator of MAXXI Architecture), focused on the idea of interaction, gives rise to a multi-sensorial experience: touch, sight, olfaction, hearing are the senses involved, featuring a catchy a series of associations that invite the viewer to caress the cloth Alcantara, to look at that as well as hear and smell it. A not to be missed happening to enjoy design, fashion and art.

“PLAYFUL INTER-ACTION”, UN PROGETTO DI ALCANTARA & MAXXI AL MAXXI DI ROMA 

Alcantara

“Playful inter-action” è una mostra interattiva, ideata da Alcantara e MAXXI in collaborazione con Fabrica (Centro di ricerca di comunicazione, situato a Treviso che è parte del Gruppo Benetton) per esplorare la sensorialità del materiale, che si terrà a Roma presso il MAXXI dal 12novembre 2013 al 5 gennaio 2014. La mostra, curata da Giulio Cappellini (art-director di Alcantara) e Domitilla Nardi (Design curator di MAXXI Architettura), incentrata sull’ idea di interazione, dà vita a un’ esperienza multi-sensoriale: tatto, vista, olfatto e vista sono i sensi coinvolti, protagonisti di un’ accattivante serie di associazioni che invitano il visitatore ad accarezzare il tessuto Alcantara, guardarlo come anche udirlo e sentirlo. Un evento imperdibile per apprezzare design, moda e arte.

www.alcantara.com

www.fondazionemaxxi.it

It has recently opened in Tokyo at the 21—21 Design Sight the exhibition “Toward a Design Museum Japan”, organized by 21-21 Design Sight and the Issey Miyake Foundation – in association with the Agency for Cultural Affairs, Tokyo Metropolitan Government, Minato City Board of Education, Japan Institute of Design Promotion, the Council of the Design Association of Japan – which runs through 9^th February 2014, including collateral events as talks and workshops focused on the theme of design in order to encourage the rise of a Japan Design Museum. The starting idea of exhibition, as the curators Akiko Moriyama, Taku Satoh, and Naoto Fukasawa assert, has arisen from an article included in a newspaper from 2003 which featured the interview with Issey Miyake, titled “It’s time to create a Design Museum”. Since 10 years” – the curator say – “we asked ourselves: What are the things we can do to encourage the making of this museum?” The answer is the exhibition which reconstructs the past exhibitions and the activities connected to that, joined under the sign of motto “Practice what you preach”. The idea of design, impressed in the exhibition path (resuming the exhibition that were held at the 21-21 Design sight since it’s rise in 2007 and including works by Issey Miyake - and Irving Penn -, Naoto Fukasawa, Taku Satoh, Shobei Tarnaya, Shunji Yamanaka, Tadanori Yokoo, Tom Vincent, Yamanaka Yu, Katsumi Asaba, Lucie Rie, Shiro Kuramata , Ikko Tanaka), explores the idea of design as making-creation of product (the main idea with which design has perceived), the need of finding-searching the connections between things and events and linking-connecting communities with the world, before following with the making process. This path is completed by the section creating, the quintessence of creative process and is enriched by the works of six designers from the past as Ikko Tanaka. A powerful display on design, laudable initiative, supported by Issey Miyake, who paid attention to the need of creating Japanese design archives, considering his own experience as fashion designer and asserting (in the interview he gave in 2003) “design is really fascinating. I was able to continue my work without any hesitation and for such a long time it’s because there is no pain in the act of designing, being something which embodies hope and is able to amaze and bring joy to people”. A not to be missed happening to know and enjoy the design and creativity Made in Japan.

LA CULTURA DEL DESIGN: “TOWARD A DESIGN MUSEUM JAPAN” AL 21-21 DESIGN SIGHT DI TOKYO

The exhibition at the Tokyo 21-21 Design Sight, photo by Masaya Yoshimura

É stata recentemente inaugurata a Tokyo at the 21-21 Design Sight la mostra “Toward a Design Museum Japan”, organizzato da 21-21 Design Sight e la Fondazione Issey Miyake Foundation – in associazione con la Agency for Cultural Affairs, Tokyo Metropolitan Government, Minato City Board of Education, Japan Institute of Design Promotion, il Council of the Design Association of Japan – che prosegue fino al 9 febbraio 2014, include eventi collaterali quali talk e workshop, incentrati sul tema del design al fine di incoraggiare la nascita di Museo del Design del Giappone. L’ idea su cui la mostra si basa, come affermano i curatori Akiko Moriyama, Taku Satoh e Naoto Fukasawa, nasce da un articolo incluso in un giornale del che conteneva l’ intervista a Issey Miyake il cui titolo era “È tempo di creare un Museo del Design”. “Da 10 anni a questa parte, dicono i curatori”, ci siamo chiesti: Quali sono le cose che possiamo fare per stimolare la creazione di tale museo?” La risposta è il percorso espositivo della mostra che ricostruisce le precedenti esposizioni e le attività a loro connesse” all’ insegna del motto “Pratica ciò che predichi”. L’ idea di design, impressa nel percorso espositivo della mostra( che riassume le mostre tenutesi presso il 21-21 Design sight a partire dalla sua nascita nel 2007 e include opera di Issey Miyake - ed Irving Penn -, Naoto Fukasawa, Taku Satoh, Shobei Tarnaya, Shunji Yamanaka, Tadanori Yokoo, Tom Vincent, Yamanaka Yu, Katsumi Asaba, Lucie Rie, Shiro Kuramata , Ikko Tanaka), esplora l’ idea di design come making-creazione di prodotto (l’ idea con cui il design è stato principalmente percepito), la necessità di finding-ricercare le connessioni tra le cose e gli eventi e linking-connecting collegare le comunità con il mondo prima di procedere al processo del fare. Questo percorso è completato dalla sezione creating, la quintessenza del processo creativo ed è arricchito dalle opere di sei designers del passato quali Ikko Tanaka. Un poderosa esposizione di design, lodevole iniziativa, sostenuta da Issey Miyake che ha prestato attenzione all’ esigenza di creare archivi di design giapponese, prendendo in considerazione la sua esperienza di fashion designer e affermando (nell’ intervista da lui rilasciata nel 2003) che “il design è veramente affascinante. La ragione per cui sono stato in grado di proseguire il mio lavoro senza esitazione e per così tanto tempo è molto semplice e lineare: è perché il dolore non ha posto nell’atto della progettazione, che racchiude in sé speranza ed è capace di sorprendere e dare gioia alle persone”. Un evento imperdibile per conoscere e apprezzare il design e la creatività Made in Japan.

The exhibition at the Tokyo 21-21 Design Sight, photo by Masaya Yoshimura

IN- EI ISSEY MIYAKE “MENDORI”(2012), photo by Hiroshi Iwasaki

Still image from the film “Films from TEMA HIMA”: The art of living in Tohoku (2012) by Tom Vincent, Yamanaka Yu

“Irving Penn & Issey Miyake: Visual View”, exhibition view 2011, photo by Masaya Yoshimura

www.2121designsight.jp

Sacrario della Bandiera of Rome Complesso del Vittoriano, photo by Giorgio Miserendino

It was recently opened the exhibition “90 artisti per una bandiera” (“90 artists for a flag”) in Rome at the Sacrario della Bandiera of Complesso del Vittoriano, running through 31^st January 2014, an initiative by the Curare Onlus no-profit association headed by Deanna Ferretti Veroni, focused on the support the rise of the Hospital for woman and child in Reggio Emilia, Panathlon Modena,  with the support of Presidency of Republic, the  Ministry of Defense, set up in collaboration with the City of Reggio Emilia, the General Staff of Defense, the Lazio Region, Rome province and City of Rome, curated by Graziano Parmeggiani. The exhibition – which has set up for the first time in Reggio Emilia in 2011 – features the works by 90 artists who reinterpreted the Italian flag, symbol of Italy’s Unity – including the fashion designer Antonio Marras along with Luca Alinari, Pat Andrea, Alberto Andreis, Assadour, Roberto Barni, Davide Benati, Gabriella Benedini, Domenico Bianchi, Alfonso Borghi, Danilo Bucchi, Enzo Cacciola, Giovanni Campus, Eugenio Carmi, Tommaso Cascella, Roberto Casiraghi, Bruno Ceccobelli, Bruno Chersicla, Andrea Chiesi, Pier Giorgio Colombara, Angelo Davoli, Sandro De Alexandris, Giuliano Della Casa, Enrico Della Torre, Lucio Del Pezzo, Fausto De Nisco, Marco Ferri, Ennio Finzi, Giosetta Fioroni, Laura Fiume, Attilio Forgioli, Antonio Freiles, Omar Galliani, Alessandro Gamba, Marco Gastini, Giorgio Griffa, Marco Grimaldi, Franco Guerzoni, Paolo Iacchetti, Marino Iotti, Emilio Isgrò, Riccardo Licata, Claudia Losi, Luigi Mainolfi, Elio Marchegiani, Mirco Marchelli, Umberto Mariani, Carlo Mastronardi, Iler Melioli, Giovanni Menada, Nino Migliori, Elisa Montessori, Pietro Mussini, Hidetoshi Nagasawa, Carlo Nangeroni, Giulia Napoleone, Gianfranco Notargiacomo, Nunzio, Claudio Olivieri, Tullio Pericoli, Lucia Pescador, Oscar Piattella, Pino Pinelli, Graziano Pompili, Concetto Pozzati, Mario Raciti, Bruno Raspanti, Jacopo Ricciardi, Leonardo Rosa, Ruggero Savinio, Antonio Seguí, Giovanni Sesia, Medhat Shafik, Tetsuro Shimizu, Aldo Spoldi, Mauro Staccioli, Tino Stefanoni, Guido Strazza, Ilario Tamassia, Nani Tedeschi, Wainer Vaccari, Valentino Vago, Walter Valentini, Paolo Valle, Wal, William Xerra, Gianfranco Zappettini -, created to be donated and sold for creating funds for the rise of hospital. A successful event which  featured the Minister of Regional Affairs and Autonomies Graziano DelRio and the Minister for Integration Cecile Kyenge.

“90 ARTISTI PER UNA BANDIERA”, ARTE PER UNA LODEVOLE FINALITÀ AL COMPLESSO DEL VITTORIANO DI ROMA

Antonio Marras, photo by Giorgio Miserendino

È stata recentemente inaugurata was la mostra “90 artisti per una bandiera” a Roma  presso il Sacrario della Bandiera del Complesso del Vittoriano, che prosegue fino al 31gennaio 2014, una iniziativa ideate dall’ associazione no-profit Curare Onlus guidata da Deanna Ferretti Veroni – dedita a supportare la nascita dell’ Ospedale della Donna e del Bambino a Reggio Emilia -, Panathlon Modena, con il patronato della Presidenza della Repubblica, allestita in collaborazione con il Comune di Reggio Emilia, lo Stato Maggiore della Difesa, la Regione Lazio, la Provincia e il Comune di Roma, curata da Graziano Parmeggiani. La mostra – che è stata allestita per la prima volta a Reggio Emilia nel 2011 – ha quali protagoniste le opere donate da 90 artisti che hanno reinterpretato la bandiera italiana, simbolo dell’ Unità d’ Italia – che includono il fashion designer Antonio Marras unitamente a Luca Alinari, Pat Andrea, Alberto Andreis, Assadour, Roberto Barni, Davide Benati, Gabriella Benedini, Domenico Bianchi, Alfonso Borghi, Danilo Bucchi, Enzo Cacciola, Giovanni Campus, Eugenio Carmi, Tommaso Cascella, Roberto Casiraghi, Bruno Ceccobelli, Bruno Chersicla, Andrea Chiesi, Pier Giorgio Colombara, Angelo Davoli, Sandro De Alexandris, Giuliano Della Casa, Enrico Della Torre, Lucio Del Pezzo, Fausto De Nisco, Marco Ferri, Ennio Finzi, Giosetta Fioroni, Laura Fiume, Attilio Forgioli, Antonio Freiles, Omar Galliani, Alessandro Gamba, Marco Gastini, Giorgio Griffa, Marco Grimaldi, Franco Guerzoni, Paolo Iacchetti, Marino Iotti, Emilio Isgrò, Riccardo Licata, Claudia Losi, Luigi Mainolfi, Elio Marchegiani, Mirco Marchelli, Umberto Mariani, Carlo Mastronardi, Iler Melioli, Giovanni Menada, Nino Migliori, Elisa Montessori, Pietro Mussini, Hidetoshi Nagasawa, Carlo Nangeroni, Giulia Napoleone, Gianfranco Notargiacomo, Nunzio, Claudio Olivieri, Tullio Pericoli, Lucia Pescador, Oscar Piattella, Pino Pinelli, Graziano Pompili, Concetto Pozzati, Mario Raciti, Bruno Raspanti, Jacopo Ricciardi, Leonardo Rosa, Ruggero Savinio, Antonio Seguí, Giovanni Sesia, Medhat Shafik, Tetsuro Shimizu, Aldo Spoldi, Mauro Staccioli, Tino Stefanoni, Guido Strazza, Ilario Tamassia, Nani Tedeschi, Wainer Vaccari, Valentino Vago, Walter Valentini, Paolo Valle, Wal, William Xerra, Gianfranco Zappettini -, create per essere donate e vendute per creare fondi per la nascita dell’ ospedale. Un felice evento di cui sono stati protagonisti il Ministro degli Affari Regionali e delle Autonomie Graziano DelRio ed il Ministro per l’ Integrazione Cecile Kyenge.

Angelo Davoli, photo by Giorgio Miserendino

Sacrario della Bandiera, photo by Giorgio Miserendino

Sacrario della Bandiera, photo by Giorgio Miserendino

Sacrario della Bandiera, photo by Giorgio Miserendino

Sacrario della Bandiera, photo by Giorgio Miserendino

Sacrario della Bandiera, photo by Giorgio Miserendino

Nunzio, photo by Giorgio Miserendino

photo by Giorgio Miserendino

Carlo Mastronardi, photo by Giorgio Miserendino

The smashing Deanna Ferretti Veroni, photo by Giorgio Miserendino

The Minister Cecile Kyenge, photo by Giorgio Miserendino

The Minister Cecile Kyenge, Deanna Ferretti Veroni and the Minister Graziano Delrio, photo by Giorgio Miserendino

The Minister Cecile Kyenge, Deanna Ferretti Veroni and the Minister Graziano Delrio, photo by Giorgio Miserendino

http://curareonlus.it

Orsorama, photo by N

I recently visited along with my friend and companion of Epicurean interludes – thinking the delights, energies and suggestions have to be shared – Andy Fluon (eclectic individual who is the founder of art collective and music band Fluon, visual artist, singer and DJ) the concept store and art gallery Orsorama, placed in Milan, in Via dell’ Orso 14, in the area of Brera. Here I saw Matteo Bonelli, its bright and visionary creator, who gave rise to a place, a vibrant cathedral showcasing and selling artworks, clothing, accessories – ties, jewelry and scarves – and furniture connected to a specific theme, based on religion and its symbolism – as it appears in “Cult fiction“, the new exhibition -, reinterpreted under the sign of new-pop. But Orsorama it’s much more than this, as it also successfully makes concrete a new way of making fashion, closely connected to a concept arising from artworks. In fact the patterns featuring in the artworks that are exhibited are impressed in the t-shirts, scarves and pillows, limited editions that join the best Italian craftsmanship, high-end materials, a catchy design and an excellent manufacture, giving rise to luxury products. The most bright evidence of all that is the collection of scarves, a luxury product which is extremely contemporary, by Svetlana Schmidt, a genuine genius of textile printing, as it arises from her work talking about surreal suggestions, where pop visions combine to the holy imagery. Orsorama is a place to visit, to come back and enjoy art and fashion dialoguing between themselves.

ARTE & MODA A MILANO: LA MIA VISITA AL CONCEPT STORE & GALLERIA D’ ARTE ORSORAMA

Orsorama, photo by N

Ho recentemente visitato insieme al mio amico e compagno di intermezzi epicurei – pensando che piaceri, energie e suggestioni siano da condividere – Andy Fluon (eclettica individualità che é il fondatore del collettivo artistico e band Fluon, artista, cantante e DJ) il concept store e galleria d’ arte Orsorama, sita a Milano, in Via dell’ Orso 14, nei dintorni di Brera. Ivi ho incontrato Matteo Bonelli, il suo brillante e visionario creatore che ha dato vita a un luogo, una vibrante cattedrale che espone e vende opere d’ arte, abbigliamento, accessori – cravatte, gioielli e foulard – e componenti di arredo legati a un tema specifico che si basa sulla religione e la sua simbologia – come appare in “Cult fiction”, la nuova mostra, reinterpretata all’ insegna dell’ arte neo-pop. Ma Orsorama è molto più di questo, poiché concretizza felicemente anche un nuovo modo di fare moda, strettamente connesso all’ arte. Infatti i motivi protagonisti delle opere d’ arte esposte sono impressi in t-shirt, foulard e cuscini, edizioni limitate che uniscono la migliore artigianalità, materiali di alta qualità, un design accattivante e una manifattura di eccellenza, dando vita a prodotti di lusso. La più lampante dimostrazione di tutto ciò è la collezione di foulards, un prodotto di lusso estremamente contemporaneo, di Svetlana Schmidt, un autentico genio della stampa su tessuto, come risulta dalla sua opera che parla di suggestioni surreali in cui visioni pop si fondono con l’ immaginario sacro. Orsorama, un luogo da visitare, in cui tornare e apprezzare arte e moda che dialogano tra di loro.

Orsorama, photo by N

Orsorama, photo by N

Orsorama, photo courtesy of Orsorama

Vesper for Orsorama, photo courtesy of Orsorama

Vesper for Orsorama, photo courtesy of Orsorama

Orsorama, photo by N

Orsorama, photo by N

Silk pillow Felipe Cardeña for Orsorama, photo courtesy of Orsorama

Orsorama, photo by N

Svetlana Schmidt showing me a smashing silk pillow representing an artwork which features at Orsorama, photo by N

Orsorama, photo by N

Foulard Kabbalah by Svetlana Schmidt, photo courtesy of Orsorama

The real ex-votos from the fishermans who saved their life during a storm at Orsorama, photo by N

A fun detail embodied in the t-shirt by Vesper for Orsorama, photo by N

The marvelous scarf by Svetlana Schmidt, photo by N

Scarf “Madonna in glitter” by Svetlana Schmidt, photo courtesy of Orsorama

Scarf Eye of Providence by Svetlana Schmidt, photo courtesy of Orsorama

Scarv “Crosses” by Svetlana Schmidt, photo courtesy of Orsorama

Matteo Bonelli, me and Andy at Orsorama, photo by Svetlana Schmidt

Matteo Bonelli, Andy and me at Orsorama, photo by Svetlana Schmidt

www.orsorama.com

Cesare Cunaccia, photo by Mustafa Sabbagh, sofa T. Buzi, pillow made of embroidered silk from ’700 coming from an Austrian court dress, velvet jacket Atelier Santerasmo Cinque, tuxedo pants Ralph Lauren, slippers made of embroidered mat silk satin Louis Leeman, hand-painted mask in tôle, shirt Turnbull & Asser

It featured during the latest edition of fashion tradeshow event White, which was held in Milan at Superstudio “Shades of a gentleman”, the exhibition project I ideated and curated which joined art and fashion: the art of brilliant artist Mustafa Sabbagh, the intense, rarefied, atmospheres he depicted on photo to tell about the elegance of gentleman as lifestyle, the one of a gentleman, the iconic and brilliant Cesare Cunaccia. The renowned editor at large of Vogue Italia and L’ Uomo Vogue, eclectic individual, unique, incisive, refined and above the lines personality also featured as designer of the object which ideally represents him: the glasses, exclusive product made of natural horn by the optic gallery Boudoir Venice by Alessandro De Lorenzo. A little masterpiece of craftsmanship which is a luxury product, produced by the Veneto company Farben 1962 from Laggio di Cadore, embodying high-end materials, having a catchy packaging, a little hood box containing a case made of a wool personally chosen by Cunaccia and a sophisticated design making concrete the Brummelian paradigm “Less is more”. The eyewear collection has showcased along with the creations and cloths by the Milan Alessandro Leonardi’s Atelier Santerasmo Cinque and shoes by Santoni, that depicted what is elusive, the male elegance, sartorialism – embodied in the unique creations byAtelier Santerasmo Cinque, Isaia and shoes by Louis Leeman along with the other refined objects and accessories coming from Cesare Cunaccia’s wardrobe – and its details under the sign of lyricism and timelessness. An intimistic tale, lights and shadows make concrete a vibrant dialogue between art and fashion and talk about a today story which is always a mistery, the male elegance.

“SHADES OF A GENTLEMAN”: ARTE E MODA RACCONTANO L’ ELEGANZA MASCHILE 

Cesare Cunaccia, photo by Mustafa Sabbagh, old English coffee cup “Willow Pattern”, cufflinks casted by Cesare Cunaccia by using antique Tibet notches coming from a ritual bat shaped -symbol of eternity made of imperial jade, glasses Cesare Cunaccia for Boudoir, Pinstripe suit Isaia, shirt Atelier Santerasmo Cinque, poster bed silk upholstered Rubelli “Princess Kocacin”, sheets Pratesi

É stato protagonista dell’ ultima edizione dell’ evento fieristico di moda White, che si è tenuto a Milano presso Superstudio, “Shades of a gentleman”, il progetto espositivo da me ideato e curato che ha unito arte e moda: l’ arte del brillante artista Mustafa Sabbagh, le intense, rarefatte atmosfere da lui catturate su foto che raccontano l’ eleganza del gentleman come stile di vita e quella di un gentleman, l’ iconico e brillante Cesare Cunaccia. Il rinomato editor at large of Vogue Italia e L’ Uomo Vogue, eclettica individualità, unica, incisiva, raffinata personalità sopra le righe, è apparso anche nelle vesti di designer dell’ oggetto che idealmente lo rappresenta: gli occhiali, prodotto esclusivo realizzato in corno naturale dalla galleria ottica di Venezia Boudoir di Alessandro De Lorenzo. Un piccolo capolavoro di artigianalità, prodotto dall’ azienda Veneta Farben 1962 di Laggio di Cadore che racchiude in sé materiali di alta qualità, ha un packaging accattivante, una piccola scatola di legno che contiene un astuccio di lana, scelta personalmente da Cunaccia e un sofisticato design che concretizza felicemente il paradigma Brummeliano “Less is more”. La collezione di occhiali è stata esposta unitamente alle creazioni ed ai tessuti dell’ Atelier Santerasmo Cinque di Milano di Alessandro Leonardi e le calzature di Santoni che hanno ritratto l’ inafferrabile, l’ eleganza maschile, la sartorialità – racchiusa nelle creazioni uniche di Atelier Santerasmo Cinque, Isaia e le calzature di Louis Leeman insieme ad altri raffinati oggetti e accessori provenienti dal guardaroba di Cesare Cunaccia – ed i suoi dettagli all’ insegna di lirismo e atemporalità. Un racconto intimistico, luci e ombre che concretizzano un vibrante dialogo tra arte e moda e parlano di una storia di oggi che è un mistero di sempre, l’ eleganza maschile.

Cesare Cunaccia, photo by Mustafa Sabbagh, old English coffee cup “Willow Pattern”, cufflinks casted by Cesare Cunaccia by using antique Tibet notches coming from a ritual bat shaped -symbol of eternity made of imperial jade, Pinstripe suit Isaia, shirt Atelier Santerasmo Cinque

Cesare Cunaccia, photo by Mustafa Sabbagh, old English coffee cup “Willow Pattern”, cufflinks casted by Cesare Cunaccia by using antique Tibet notches coming from a ritual bat shaped -symbol of eternity made of imperial jade, glasses Cesare Cunaccia for Boudoir, Pinstripe suit Isaia, shirt Atelier Santerasmo Cinque, poster bed silk upholstered Rubelli “Princess Kocacin”, sheets Pratesi

Cesare Cunaccia, photo by Mustafa Sabbagh, Pinstripe suit Isaia, slippers Max Kibardin, poster bed silk upholstered Rubelli “Princess Kocacin”, sheets Pratesi

photo by Mustafa Sabbagh, collection of sketches, sculptures, photographs, little painting, some of them belonging to his family from different ages there are in the bedroom, thought as a collectable cabinet.

photo by Mustafa Sabbagh, photo by Milton Gendel (from Seventies), Lord Lambton and his family at the Cetinale(Siena) villa Chigi set behind the door of Cesare Cunaccia’s vestiaire

photo by Mustafa Sabbagh, plaster mask from an original work coming from the Classic age

photo by Mustafa Sabbagh, Canovaean plaster sculpture representing a lion, a branch of natural black coral

photo by Mustafa Sabbagh, sculpture in biscuit porcelain, from the middle 19th century, manufacture by Ninphenburg depicting the prince Albert von Sachsen-Coburg und Gotha placed behind one of the many bookcases of Cesare Cunaccia’s home

• photo by Mustafa Sabbagh, big plaster head from the Ercole Farnese in the studio of Cesare Cunaccia, huge Hellenistic sculpture of Lysippos’ fashion kept at the Napoli Archeological Museum

photo by Mustafa Sabbagh, skull shaped terracotta sculpture, with the Christ made of hood, by Alessandro Flaminio(Napoli)

photo by Mustafa Sabbagh, hat Rubinacci, natural horn glasses custom made by Cesare Cunaccia for Venice Boudoir, gilet Atelier Santerasmo Cinque, crocodile i-pad case Santoni, Lopez loafers Santoni, little Gandhara sculpture made of stucco III secolo A. D., vintage cufflinks in ruby and gold designed by Beppe Modenese for Faraone, hand-painted tôle mask.

photo by Mustafa Sabbagh, red Amaryllis in a bronze vase by Gabriella Crespi (early Seventies), Tibet Buddha in golden bronze foil from the 15th century, Greek apotropaic eye

Cesare Cunaccia, photo by Mustafa Sabbagh, loden Habsburg cape, pinstripe suit Isaia, shirt Bagutta, custome made natural horn glassed by Cesare Cunaccia for Venice Boudoir

photo by Mustafa Sabbagh, Chinese vase from the Qing dinasty, Neo-classsic bronze sculpture depicting Homer (France, early 17th century), brut iron table design RM57

Cesare Cunaccia, photo by Mustafa Sabbagh, armchair Louis 14th with crimson silk brocade housse back of the portrait on a Middle-European forefather from the 18th century, blazer Atelier Santerasmo Cinque made of English vintage cloth from Cilento(Napoli), shirt and scarf Charvet (Paris), natural horn custom made glasses by Cesare Cunaccia for Boudoir

Me, myself and I at the opening cocktail of “Shades of a gentleman”, photo by Alessandro De Lorenzo

The natural horn glasses custom made by Cesare Cunaccia for Boudoir along with objects talking about Cunaccia, photo by N

Cesare Cunaccia visiting the exhibition project and me, photo by Alessandro De Lorenzo

The photos by Mustafa Sabbagh on show, photo by N

the photographs by Mustafa Sabbagh on show, photo by N

The sartorial showcase featuring the creations by Atelier Santerasmo Cinque, Santoni, Isaia, Louis Leeman, photo by N

The scarves and hats coming from the Cesare Cunaccia’s wardrobe along with the clothes by Atelier Santerasmo Cinque, photo by N

A circle of friends: Alessandro De Lorenzo(Boudoir), me, Max Nicoloro(Atelier Santerasmo Cinque) and Vincent Law, photo by Anna Porcu

Alessandro De Lorenzo(Boudoir), me, Max Nicoloro(Atelier Santerasmo Cinque), Anna Porcu and her friend, photo by Vincent Law

Alessandro De Lorenzo(Boudoir), me and Max Nicoloro(Atelier Santerasmo Cinque), photo by Vincent Law

A beautiful surprise, from Vienna to Milan: to see Helga Ruthner ( Wendy & Jim) at White, photo by Alessandro De Lorenzo

Luna Lanzara and me, photo by N

Giorgiana Ravizza and me, photo by N

Vincent Law, the editor of smashing blog Binzento Vincente and me, photo by Alessandro De Lorenzo

The brilliant jewerly designer Anna Porcu ( today it’s her birthday, thus I wish her happy birthday! )wearing a necklace she made and me, photo by N

Andy and me, while Matteo Bonelli, in the back is visiting the exhibition project, photo by Alessandro De Lorenzo

The journalist Maria Elena Capitanio visiting the exhibition project, photo by N

Alberto Guardiani and me, photo by N

Alessandro De Lorenzo(Boudoir), me and Federico Bosisio, photo by N

Me, Giovanni Ottonello and Alessandro De Lorenzo(Boudoir), photo by Vincent Law

The one and only Roberta Valentini( Penelope Brescia) and me, photo by Alessandro De Lorenzo

www.whiteshow.it

Fabio Quaranta Fall/Winter 2014-2015, photo by N

The right side of the moon”, name of Fall/Winter 2014-2015 menswear collection by the brilliant fashion designer Fabio Quaranta, reminded me another side of the mood, the dark side and the cult concept album by Pink Floyd, “The right side of the moon”, which has presented in Milan. Minimalism, an existentialist charm, fluid lines, dark colors – blue and black -,the fine research of cloths and lines that is a leitmotiv of Fabio’s work, emphasized by a suggestive installation which made me think about the “Iuav style”, the fashion of Fashion Design Faculty of Iuav University of Venice to set up the exhibitions it made as well as “Linen Yarn”, exhibition curated by Fabio Quaranta for Iuav (Fabio teaches at Iuav University of Venice, a smashing public fashion school I appreciate).

“THE RIGHT SIDE OF THE MOON”, L’ ELEGANZA MASCHILE ESISTENZIALISTA DI FABIO QUARANTA

Fabio Quaranta Fall/Winter 2014-2015, photo by N

“The right side of the moon”, nome della collezione uomo autunno/inverno 2014-2015 del brillante fashion designer Fabio Quaranta, mi ha ricordato un’ altro lato della luna, il dark side e il concept album di culto dei Pink Floyd, “The right side of the moon” che è stata presentata a Milano. Minimalismo, un fascino esistenzialista, linee fluide, colori scuri – blu e nero -, la raffinata ricerca di tessuti e linee, leitmotiv dell’ opera di Fabio sono le alchimie della collezione, enfatizzate da una suggestiva installazione che mi ha fatto pensare allo “ stile Iuav”, la modalità della Facoltà di Fashion Design dell’ Università Iuav di Venezia di allestile le mostre come anche a “Linen Yarn”, la mostra curata da Fabio Quaranta per la Iuav (Fabio insegna presso l’ Università Iuav di Venezia, una formidabile scuola pubblica di moda che apprezzo).

Fabio Quaranta Fall/Winter 2014-2015, photo by N

Fabio Quaranta Fall/Winter 2014-2015, photo by N

Fabio Quaranta and Cesare Cunaccia, photo by N

Arthur Arbesser and me, photo by N

www.fabioquaranta.it

Kamal (oil on canvas), Celia Hempton, photo courtesy of Galleria Lorcan O’ Neill

Expressionist dynamism, sensuality, eroticism along with the exploration of privacy and intimacy idea, their meaning in contemporary times connected to the redefinition of modesty, prudence and discretion shines on the canvas by Celia Hempton, who depicts landscapes, the bodies of friends and models (some of them sourced via internet and chat-rooms), focusing on their “private parts”. The young, brilliant and renowned London based artist – I was pleased to know many years ago and share with her joyful interludes – will open her first solo exhibition on 20^th February 2014 in Rome at the Galleria Lorcan O’ Neill in Via Orti di Alibert and will run through 19^th April 2014. A not to be missed happening to enjoy a vibrant artist.

LA PRIMA PERSONALE DI CELIA HEMPTON ALLA GALLERIA LORCAN O’ NEILL DI ROMA

Caspar (oil on canvas),Celia Hempton, photo courtesy of Galleria Lorcan O’ Neill

Dinamismo espressionista, sensualità, erotismo unitamente all’ esplorazione dell’ idea di privacy e intimità, il significato da loro assunto nella contemporaneità, connesso alla ridefinizione di modestia, prudenza e discrezione, splende sulle tele di Celia Hempton, la quale dipinge paesaggi, i corpi di amici e modelli (alcuni dei quali ricercati via internet e chat-rooms), concentrandosi sulle loro “parti intime”. La giovane, brillante e rinomata artista residente a Londra – mi ha rallegrato incontrare diversi anni fa e condividere con lei gioiosi intermezzi – aprirà la sua prima collettiva il 20 febbraio 2014 a Roma alla Galleria Lorcan O’ Neill in Via Orti di Alibert e proseguirà fino al 19 aprile 2014. Un evento imperdibile per apprezzare una vibrante artista.

Kajsa, oil on canvas, Celia Hempton, photo courtesy of Galleria Lorcan O’ Neill

Celia Hempton, oil on canvas, photo courtesy of Galleria Lorcan O’ Neill

Installation photo of a Wall painting, Celia Hempton, photo Installation photo of courtesy of Galleria Lorcan O’ Neill

www.lorcanoneill.com